ARCOholics

Con motivo de la semana de las Ferias en Madrid del pasado 15 al 19 de febrero, aquí os paso el artículo que escribí para el portal de Arte y Sociedad www.nicolamariani.es, publicado el pasado 24 de febrero:

ARCOholics

Versionando a Saatchi, I´m an ARCOholic. A quien le horrorice escucharlo, puede abandonar su lectura. La Feria Internacional de  Arte Contemporáneo más importante de nuestro país, ARCO, se celebró entre los pasados días 15 y 19 de febrero, con todo lo que ello conlleva: Just Madrid y Art Madrid (sus ferias complementarias), algunas de las mejores inauguraciones expositivas en museos y centros de arte, así como otros eventos artísticos, que hicieron de la pasada semana, una vez más, una de las más esperadas e intensas del año para el arte en Madrid.

En su 31ª edición, con 215 galerías de 29 países diferentes, Carlos Urroz, en su segundo año de reinado, y todo su Equipo, han dejado claro que ARCO Madrid sigue siendo la feria internacional líder en España y que como tal, impulsa a los principales agentes e instituciones del arte contemporáneo, algunas de las cuales aprovechan precisamente el desembarco del país invitado, este año Holanda, para programar, incluso, parte de su actividad cultural.

Isaac Julien, “Hotel. Ten Thousand Waves” (2010). Galería Helga de Alvear

¿Fenómeno mediático? ¿Oportunidad para los medios de hacer del arte una vez más una noticia fácil, además de la ya tan manida (y aburrida) pregunta de “Esto es arte”? Comunicadores a la caza de imágenes “amarillistas”, artistas en busca de la polémica y colectivos que sorprendentemente se escandalizan en pleno siglo XXI, o que muerden el anzuelo. Hasta los propios artistas se hacen eco de esta misma inquietud social en torno a la feria. Así, el artista Suso 33 (una de las representaciones del arte callejero más destacadas de este año), en su “Trojan TV wall” proyectaba frases de  internautas tan significativas como “El arte es a ARCO lo que el tiro con arco es al tráfico de armas”. O la propia artista Alicia Herrero, en su irónica obra “Auctions Market&Money”, uno de los Solo Projects holandeses, criticaba la contribución de Christie´s y Sotheby´s a la sostenibilidad de la “burbuja” del mercado del arte. Por su parte, el artista Yuri Albert, a través de su obra “Moscow Poll”, volvía a hacer esta misma pregunta “¿Crees realmente que lo que estás mirando ahora mismo es arte?”. 

   

Alicia Herrero, “Auctions Market&Money” (Galería Mirta Demare, Rotterdam) y Yuri Albert, ““Moscow Poll” (Galería Paperworks)

Parece que aún no lo hemos superado. Porque aunque dicho debate rodee aún o siempre a la feria, en esencia ARCO es mucho más que todo ello.  Entre otras cosas, es el encuentro internacional del arte contemporáneo más emblemático en nuestro país, en el que se dan cita artistas, galeristas, comisarios, directores de museos, coleccionistas, críticos de arte y comunicadores, gestores culturales, asesores artísticos, profesionales, aficionados y amantes del arte y la cultura contemporánea.

¿Crisis? El grafitero Neko grababa este término en una de las paredes del stand de El País. Aunque a muchos les dé miedo declararlo, la crisis económica española también ha acechado al arte. Sin embargo, la mayor parte de los galeristas, a pesar de haber vendido algo menos, dan un balance positivo de la feria, sobre todo por su alto nivel. En palabras del director, se ha clausurado con un “optimismo moderado y realista”, no ingenuo. En lo que desde luego no se ha notado, ha sido en la calidad de la feria, que ha sido tan alta como en sus mejores años.

Obra de Los Carpinteros (Galería Ivory Press)

Obra de Dionisio González (Galería Ivory Press)

Entre tantas de las propuestas de esta edición (unos 3000 artistas), a modo de pequeña muestra, destaco algunas de las siguientes:

La prestigiosa Ivory Press entraba por la puerta grande en su ARCO-debut con obras de Anish Kapoor, Ai Wewei, Pedro Cabrita Reis, Dionisio González… o la fotografiadísima de Los Carpinteros. El cuarteto Aizpuru, Alvear, Arauna, Lorenzo (por orden alfabético), volvía otro año con sus mejores galas: Juana de Aizpuru, la madre de ARCO, seleccionaba una vez más algunas de las mejores piezas de Tillmans, Gonnord, Morimura, García Rodero o López Cuenca.

   

Wofgang Tillmans, “Paper Drop Purple” (2011) y Yasumasa Morimura, “A Requiem, Remembrance Parade, 1945, USA” (2010). Galería Juana de Aizpuru

Escogidísimas también por Helga de Alvear las obras de sus mejores artistas, entre ellos Ester Partegàs, su impertérrito Axel Hütte o Isaac Julien. Especial emoción causaba este año el stand de Soledad Lorenzo previendo su último año como galerista, con clásicos como su divertido Tony Oursler, sus fallecidos Bourgeois y Tàpies, una completísima instalación geométrica de Pello Irazu, o su eterno y elegante Robert Longo, uno de los “must” en la feria.

   

Obra de Louis Bourgeois y Robert Longo, “Untitled (Hanane in a Burka)”, 2010. Cortesía Galería Soledad Lorenzo.

Tampoco faltaban las también madrileñas Elvira González, Elba Benítez, Parra&Romero, Espacio Mínimo (una de las pocas galerías en las que mejor se distinguía al artista destacado, en este caso con una monumental pieza de Erwin Olaf), Javier López, aliado al gran Mário Sequeira, con obras de Jason Martin o Louis Conquenao, u otras eternas como la germano-española Heinrich Ehrhardt o la ya tan distinguida Travesía 4.

Obra de Erwin Olaf (Galería Espacio Mínimo)

Obra de Gonzalo Lebrija (Galería Travesía 4).

Entre las catalanas no podían faltar clásicos como Carles Taché, que llevó para la ocasión unos delicados Sean Scully, además de la “Carroña” de Javier Pérez tan acogida por la prensa, así como Joan Prats, Toni Tàpies, y galeristas algo más jóvenes como Miguel Marcos (con un exquisito Rubsamen) o Nogueras Blanchard.

Javier Pérez, “Carroña” (2011), Galería Carles Taché

Obra de Glen Rubsamen, Galería Miguel Marcos

Al igual que otros años, no han pasado de moda los Julian Opie (galerías Pilar Serra, Javier López-Mário Sequeira), Robert Mapplethorpe (Mai 36, Elvira González) Peter Zimmermann ( Distrito 4, Filomena Soares, MaxWeberSixFriedrich) o García-Alix (Taché, Aizpuru). Este año, podían contemplarse además magníficas fotografías del cineasta Wim Wenders, de mano de la galería BlainSouthern, además de algunas de las series más célebres de Damien Hirst, gracias a la participación, un año más, de la londinense Paragon Press. José Manuel Ballester ha vuelto a ser uno de los artistas más repetidos (galerías DAN, Distrito 4, Maisterravalbuena, Pilar Serra y Vanguardia).

  

Obras de Damien Hirst (Galería Paragon Press) y Robert Mapplethorpe (Galería Mai 36).

Un año más, la feria ha servido para apreciar también lo ligadas que otras disciplinas se encuentran al arte de nuestros días. Es el caso de la relación entre arte y diseño (como ejemplo, la obra de Fernanda Fragateiro en la Galería Elba Benítez), el arte y la moda (frecuente en las obras de Susy Gómez o en los vestidos de Fernando Brizio, de la Galería Javier López-Mario Sequeira) o arte y tecnología, cuyo mejor ejemplo sea probablemente la obra de Marcela Armas (Galería Arróniz), ganadora este año del premio ARCOMadrid/Beep de arte electrónico. Caso más candente es el de la presencia de la crisis inmobiliaria en el arte actual, que ha podido apreciarse tanto en el “work in progress” de Javier Núñez Gasco de la Galería Carlos Carvalho, como de manera más irónica, en el guiño de la obra “Pisos” de Rogelio López Cuenca.

    

Obra de Fernando Brizio (Galería Javier López-Mário Sequeira). Rogelio López Cuenca, “Pisos” , 2011 (Galería Juana de Aizpuru)

El poderío luso, una vez más, se ha dejado entrever a través de 12 galerías.  Más aún la presencia alemana, con casi 30. Aunque predominantemente europea, y con escasa representación asiática, la feria ha tenido también su representación americana, tanto a través de Latinoamérica como de galerías estadounidenses como Edward Tyler Nahem, Henrique Faria, Lelong, o el incombustible Christopher Grimmes. Aunque algunas galerías extranjeras han vuelto a la feria, también han seguido echándose en falta a otras de ediciones anteriores como Haunch of Venison, Lisson, Vera Munro, Marian Goodman, Michael Janssen o Alexander and Bonin.

Además del programa general de galerías (160 en total), en el amalgama de programas curatoriales, se insertaba tanto “Focus Países Bajos”, en el que han participado 14 galerías neerlandesas, como los 23 Solo Projects dedicados a artistas latinoamericanos, así como el Opening de 25 jóvenes galerías europeas de trayectoria inferior a siete años, y los “Solo Objects”,  novedad de este año integrada por obras de gran formato de diferentes galerías. Entre otras actividades, como viene siendo habitual en los últimos años, los foros de expertos, el programa “First Collectors” y los “Encuentros profesionales”, que han repetido tras su éxito del año pasado, o algunas de las novedades más notables, como la solidaria propuesta de “ARCO Kids” (con la Fundación Pequeño Deseo) o After ARCO, para dar cobertura a la oferta de ocio y cultura de la capital en horarios y lugares fuera del recinto ferial.

Obras de Peter Zimmermann (Galería Filomena Soares) y de Chiaru Shiota (Galería Nieves Fernández)

Off ARCO o más allá de ARCO, no puede olvidarse la visita a Just Madrid (Just Mad 3) o Art Madrid, dos ferias muy distintas que en otro nivel, dan cabida a galeristas que merecen y necesitan una representación ferial en un contexto aparte del elitismo de Ifema. Muchas acogen, además, algunas de las más interesantes propuestas del arte actual.

Después del éxito del pasado año en el Palacio de Velázquez 29, Just Madrid ha repetido este año con su tercera edición. Organizado por Art Fairs, con Giulietta Speranza a la cabeza, Just Mad 3 ha mostrado, a través de unas 70 galerías (20 de ellas, extranjeras),  un alto nivel en propuestas jóvenes y emergentes (no se olvide; no siempre ambas de la mano), si bien el parking del Hotel Silken Puerta de América, diseñado por la célebre Teresa Sapey, no ha sido en este caso el emplazamiento más idóneo, ya que la plaza y media de garage o los techos bajos, desmerecían el alto nivel de algunas de estas galerías. Entre todas, a modo de botón de muestra, destaco algunas con las que más disfruté.

Martín Mancera, “Cumpleaños Isabel” (Galería Casa Cuadrada, Bogotá) y obra de Fernando Martín Godoy (Galería Siboney)

En la Galería Casa Cuadrada (Bogotá), una Reina Isabel de Inglaterra bastante “popera” nos miraba ante una cortina de bolsas de té,  mientras que en la galería Siboney (presente otros años en ARCO) obras de Fernando Martín Godoy relacionaban una vez más el arte y la moda, algo que encontrábamos también en la obra de la artista Yolanda Domínguez (Galería Rafael Pérez Hernando). Resaltaban también los trabajos de las galerías Arana Poveda, con obras de Rebeca Menéndez o Ranier Elstermann, Sabrina Amrari con el artista marroquí Younes Baba-Ali, así como la catalana Mito, con magníficas fotografías de Anthony Gayton, todo un fichaje de la galería. Por supuesto, entre todas ellas, la Galería Blanca Berlín (siempre lo digo, una de las mejores galerías en fotografía en nuestro país) con obra de artistas como Dalia Gonçalves, que estará presente en la “Jugada a tres bandas” de esta primavera. Se agradecía también la presencia de importantes galerías como José Robles, My Name´s Lolita Art, Inés Barrenechea, u otras más jóvenes, como ASM28 o 6 más 1.

Obra de Anthony Gayton (Galería Mito)

Dalia Gonçalves, “Archivos de hierba”, 2011 (Galería Blanca Berlín)

Art Madrid celebró su séptima edición, al igual que en años anteriores, en el pabellón de Cristal de la Casa de Campo, con una participación de algo más de 50 galerías; 7 de ellas, extranjeras, entre las que destacaban la sueca MDA (con un Julian Opie) y especialmente la portugusa Cordeiros, con obras de Thomas Ruff, Thomas Struth o Frank Thiel, entre otros. Como suele ser habitual en las galerías participantes de esta Feria, predominaban las obras circuladas en “segunda vuelta” en el mercado del arte, con importantes representaciones del panorama nacional, como Joan Gaspar, Bat Alberto Cornejo o Marita Segovia. La nota más innovadora venía, como en los últimos  años, de la mano de la decena de galerías del programa Young Art, entre ellas, Fernando Latorre, Moret Art, 6 más 1 o 3 punts (estas dos, presentes también en Just Mad3), así como Art Next, que traía algunas de las propuestas más originales para la feria, como su Ofelia de la Sociedad Artística Morán. Entre las novedades de este año, el programa curatorial "One Project", dirigido por el crítico y comisario Javier Rubio, eco “low cost” de los Solo Projects de ARCO.

Sociedad Artística Morán, “Ofelia” (Galería Art Next)

Frank Thiel, “Stadt 1/17, Berlín” (Galería Cordeiros)

Para los que hayan llegado a la lectura íntegra de este reportaje crítico, recordar simplemente que en estas fechas podemos aprovechar para visitar algunas de las exposiciones más atractivas del año, como la de Marc Chagall en el Museo Thyssen Bornemisza, Hans Haacke en el Reina Sofía, Odilon Redon en la Fundación Mapfre, o las Pinturas de la Rubell Family Collection en la Fundación Banco Santander. Como visitante sobreviví a la semana ARCOhólica. Mi más sincera enhorabuena a todos aquellos que la han hecho posible.


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"LA PERSISTENCIA DE LA GEOMETRÍA"

Como todo clásico, no pasa de moda. La geometría (como la abstracción misma) es un tema universal, y como tal, bien vale una muestra: sin ser ni la primera ni la última, “La persistencia de la geometría” (que no de la “memoria” daliniana), defiende hasta el 25 de marzo en Caixa Forum Madrid (gracias al acuerdo entre la Fundación la Caixa y el MACBA), un más que noble recorrido, comisariado por Nimfa Bisbe (directora de la colección de arte contemporáneo de la Fundación), en torno a la presencia de la geometría en el arte internacional desde los años 60, hasta prácticamente la actualidad.

Ninguna erudición extraordinaria se precisa para conocer tanto la especial atención que la humanidad ha prestado por las formas geométricas simples desde épocas ancestrales (Antiguo Egipto, la escuela pitagórica de la Antigua Grecia…), como su materialización plástica a través del arte y su existencia desde la misma infancia. Dibujar estas formas simplemente por lo que son, con independencia de encontrar para ellas un referente en la naturaleza; operación esta, inversa a la que realizó con el paisaje provenzal Cézanne, precursor del cubismo para el que “la naturaleza se puede reducir al cubo, la esfera y el cilindro”. Si de ahí pasamos a los cubistas, los suprematistas, los neoplasticistas, la Escuela de la Bauhaus, o al Op Art (iniciado ya en los años 50), se entiende que esta histórica “persistencia” se hiciera más que plausible para los “felices años 60” del arte, con los que arranca esta exposición.

Donal Judd, “Sin título”, 1988. © Cortesía de Obra Social la Caixa y Fundación MACBA

El minimalismo, con su máxima “menos es más”, fue uno de los movimientos clave en el uso de las formas geométricas en los albores de la llamada posmodernidad, de ahí que cuatro cajas azules sin título de D. Judd se interpreten como una de las obras clave iniciales en este recorrido. Lo mismo ocurre con las obras escogidas aquí del Land-Art, movimiento coetáneo al minimalismo, y que  se palpa en clave geométrica, especialmente, en dos obras: la estructura anillar en mármol de Richard Long, indiscutible referente inglés que llevó al arte en la naturaleza a su estado más puro o mínimo; y el didáctico video sobre el célebre muelle en espiral o “Spiral Jetty”(1970) de R. Smithson, obra emblemática de este artista, no olvidemos, vinculado también a lo “minimal”.

Richard Long, “Sin título”, 1986. © Cortesía de Obra Social la Caixa y Fundación MACBA

 Resulta inteligente la apertura de esta antología con algunos artistas no relacionados necesariamente ni con lo “minimal” ni con lo geométrico, que participaron de diferentes estilos y géneros,  con insignes piezas, como la trilogía de J. Lee Byars con la que se abre esta colectiva, o el “Cubo de Condensación” (1963-65) de Hans Haacke, artista al que este semestre el Reina Sofía dedica una retrospectiva, y que con este tipo de investigaciones conceptuales en torno a los procesos y alteraciones físicas, funciona como precedente del eminente Olafur Eliasson, perfecta fusión de arte, ciencia y tecnología.

La presencia de James Turrell, creador de espacios y artista de la luz, está más que justificada a través de su “Afrum Rojo” (1967), obra sobradamente representativa de este artista californiano, que ha jugado casi siempre con la luz con el fin de provocar en el espectador diferentes efectos, casi siempre en formas geométricas.

James Turell, “Afrum Red”, 1967. © Cortesía de Obra Social la Caixa y Fundación MACBA

Ningún estudio o viaje por el arte de la segunda mitad del siglo XX hasta nuestros días debería obviar la figura de Bruce Nauman, personalidad polifacética y clave de la llamada “posmodernidad” que trabajó en casi todos los géneros y que en esta muestra, ocupa su espacio tanto en lo conceptual y lo performático, como claramente en lo “minimal”, caso de sus “Piedras negras bajo luz amarilla” (1987), obra entre lo escultórico y lo instalativo, diseñada a base de cubos negros cuya percepción se distorsiona por la radiación de luces amarillas de neón. Estas geometrías en acción se observan también en artistas catalanes vinculados a la performance y que de manera transversal abarcaron esta cuestión, como Francesc Torres, Àngels Ribé, o Carles Pujol.

Bruce Nauman, “Black Stones under Yellow Light", 1987. © Cortesía de Obra Social la Caixa y Fundación MACBA

Se ha aprovechado además esta temática para difundir la obra de otros artistas que han trazado sus geometrías en el arte a través de su más fina expresión, la línea, creando sistemas de retículas cuyo resultado se traduce en obras de carácter diverso, como es el caso de las representaciones, en este espacio, de Gego, Armando Andrade Tudela o León Ferrari. Caso diferente, el de Waltercio Caldas, artista brasileño que ha trabajado sobre la geometría tanto en escultura como en instalación, desde una óptica muy vinculada al diseño.

Waltercio Caldas, “Aladim”, 1988. © Cortesía de Obra Social la Caixa y Fundación MACBA

Una de las perspectivas más interesantes desde la que se afronta este estudio es “minimalismos en expansión”, espacio dedicado a aquellos artistas que evolucionaron más allá del minimalismo, dotando de contenido a estructuras aparentemente solo minimalistas, pero que trascienden la simple sentencia de “lo que ves es lo que es” de Frank Stella. Es el caso de “Collected papers” (1988) de Rodney Graham, obra clave en esta vía, en la que el autor canadiense se apropió de la antología homónima, en cinco volúmenes, de Sigmund Freud, para insertarla en cinco cajas de cobre, siguiendo la estructura formal de Donald Judd.

Rodney Graham, “Collected papers”, 1988. © Cortesía de Obra Social la Caixa y Fundación MACBA

Alcance muy diferente, el de la obra de Rachel Whiteread, artista especialmente conocida por sus moldes o “vaciados” de grandes dimensiones, que reproducen espacios arquitectónicos , y que comparte este “minimalismo expandido”  junto a artistas tan reconocidos del panorama nacional como Pello Irazu o Txomin Badiola.

Gordon Matta-Clark, “Circus 3”, 1978. © Cortesía de Obra Social la Caixa y Fundación MACBA

Interesante y curiosa, por otra parte, la instalación de nueve videos de Damián Ortega en torno al concepto de “deshumanización” en la figura de un ladrillo, al que se le dedica una sala completa. No menos ecléctico es el entorno con el que se clausura la muestra, destinado a la intervención de la geometría en la arquitectura (o viceversa) y de esta en el arte. Presente en algunas de las obras plásticas de Matt Mullican (entre las que destacan visualmente tres cristales emplomados), esta cuestión no deja de sorprendernos en las fotografías en blanco y negro de Gordon Matta-Clark, que no sabemos realmente cómo encajan en esta colectiva, hasta que no nos percatamos de que el artista neoyorquino, lo que realmente pretendía con sus célebres intersecciones o “building cuts” era  reinterpretar la arquitectura en clave geométrica y hacer de dicha interpretación su propia obra de arte visual. De algún modo es lo que inteligentemente ha querido mostrarnos probablemente la comisaria: desestructurarnos esquemas preconcebidos y elaborar un completo, didáctico y justo discurso en torno a la geometría en el arte de las últimas décadas. Como decían los pitagóricos, y el propio Byars: 1+2+3+4= 10.

Más información en:

http://obrasocial.lacaixa.es/nuestroscentros/caixaforummadrid/lapersistenciadelageometria_es.html

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EL DELICADO BANQUETE DE HANNAH COLLINS

 “The Fragile Feast” es una de las exposiciones “de moda” con la que se ha inaugurado el nuevo año en la capital. El Espacio II de Ivorypress nos deleita esta vez con un pequeño bocado del largo trabajo de la fotógrafa Hannah Collins (Londres, 1956); una notable aportación al estudio de la simbiosis entre artes visuales y culinarias, gracias a la colaboración de Ferrán Adrià, sin el cual este “frágil festín” fotográfico probablemente no hubiera alcanzado su consecuente repercusión mediática.

Hannah Collins, Retrato de Ferrán Adrià

A través de este proyecto, la célebre fotógrafa y videoartista documental, no solo ha inmortalizado más de una treintena de ingredientes de la cocina del celebérrimo chef, sino también aquellos lugares en los que pueden encontrarse algunas de estas curiosas materias primas, convertidas en manjares (kuzu japonés, cítricos, anémonas, sésamo, soja, miel de abejas…), lo que ha embarcado a la artista en un viaje por los parajes más recónditos de Europa, América Latina y Japón.

El resultado completo, un menú de 250 fotografías, expuestas el pasado otoño en la sala Banco Herrero de Oviedo, de las cuales la galería del matrimonio Foster muestra algo menos de una veintena. Acompaña especialmente esta pequeña degustación el volumen editado por Hatje Cantz, que se presenta en Ivorypress el próximo 24 de enero junto a una conferencia de los dos maestros: una edición especial que además de todas estas imágenes, recoge tanto los textos de la artista que completan la comprensión, sentido e idiosincrasia de estas rutas, como doce recetas de este gran gurú de la gastronomía mundial.

Hannah Collins, “Miso 2011 (tiramiso from freeze dried tofu, soya paste, sake freezed-dried soya sauce, soya jelly)”

Mucho se ha escrito sobre la fusión de las artes y la imprecisión de sus límites desde los comienzos de la llamada posmodernidad. De este mezclum se hizo eco también, mejor incluso que otras, la gastronomía; y por suerte, fue asumida hace ya tiempo como otra disciplina artística más. Ejemplo de ello es el volumen editado hace casi dos años por Phaidon, sobre “Cómo funciona El Bulli. Las ideas, los métodos y la creatividad de Ferrán Adrià”, antecedente al nuevo libro de la artista británica.

Residente entre Londres y Barcelona, Hannah Collins recibió hace casi veinte años la nominación al célebre y polémico premio Turner. Desde entonces, ha inspeccionado temáticas variadas, aunque casi siempre incidiendo en temas sociales (La Mina, 2001-2004; Current History, 2006; Parallel, 2007) y sobre todo, en la memoria e historia de determinados entornos culturales, como es el caso de “The Fragile Feast”, en el que realmente se nos cuentan historias previas a la elaboración de cada plato: el proceso previo de indagación, de búsqueda del elemento selecto y de la técnica perfecta; algo que puede acontecer tanto en las artes visuales como en la cocina de autor. Es en este ámbito de investigación de la memoria, del pasado… en el que Collins se ha proclamado como una de las artistas visuales británicas más reconocidas, tal y como lo avala la representación de su obra en algunas de las instituciones y colecciones más célebres tanto de España como del panorama internacional (ARTIUM, Fundación la Caixa, CAC Málaga, Tate Modern, Centre Georges Pompidou, etc.).

Hannah Collins, “Citrus 7, 2011 (farm)”

Puede que después de contemplar la exposición el espectador se quede con una sensación insípida, de no llegar a alcanzar el valor sensorial de estas apreciadas sustancias, o  que por el contrario, se sienta embriagado por un exotismo poco común. Es probable que se sienta tentado a adquirir el libro, o que vuelva a desear ser sorprendido al menos una vez por el arte culinario del Sr. Adrià. Lo que es más que seguro es que no dudaremos de la contribución de esta distinguida obra a la reflexión sobre la fusión arte+gastronomía. El frágil festín, o “delicado banquete” de Hannah Collins, aunque más completo en este caso en la edición impresa que en la enmarcada, nos ofrece a través de esta exposición un aperitivo que podrá catarse al menos hasta el próximo 4 de febrero.

Más información en:

http://www.hannahcollins.net/

http://www.ivorypress.com/

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Sandra Gamarra: “¡Hay gente que cree que el arte comenzó en los años 60!”

Acaba de aterrizar de Sao Paulo, donde ha tenido lugar su última exposición individual, y está ya inmersa en sus siguientes proyectos.

La artista Sandra Gamarra (Lima, 1972), representada en Madrid por la mítica Galería Juana de Aizpuru, nos recibe en su estudio del barrio de Alonso Martínez, donde nos desgrana su temática más esencial, al mismo tiempo que repasa sus representaciones internacionales más célebres (MoMA, Tate, MUSAC, Bienales de Venecia y Sao Paulo…) y nos adelanta algo de su próximo año.

Imagen del estudio de Sandra Gamarra

1. Artesy13: ¿Cómo recuerdas tus comienzos en la pintura? ¿Cómo comenzaste a pintar?

Sandra: Desde pequeña me gustaba pintar. Era algo que mis padres, cuando querían que estuviera entretenida, me ponían a hacer. Pero la figura del artista era algo ajeno a mi realidad. En realidad no siento que me decidiera a ser artista prácticamente en ningún momento. No había en mi familia tradición humanística. En realidad lo que yo quería estudiar era piano (¡se me metió en la cabeza!), pero era muy caro. Entré a los 12 años en los talleres de pintura para niños del Museo de Arte de Lima. Seguí allí hasta los 16-17 años y fue entonces cuando me entró “el bichito”. Ingresé en la Facultad de Arte para estudiar Diseño Gráfico al mismo tiempo que Pintura. Al tercer año de estudios tenía que decidirme por cuál de estas dos especialidades me decantaba. Recuerdo cómo la Decana de Pintura, Julia Navarrete, una de las profesoras que más me han marcado, al declararle que no tenía clara mi decisión, se quitó sus gafas y me dijo: “¿Y tú crees que yo estoy segura?”. Si ella no estaba segura ¡cómo iba a estarlo yo!

2. Artesy13: Dentro de tu evolución como artista, ¿cuál consideras que es el tema que ha permanecido hasta ahora más inmanente o de manera esencial en tu obra?

Sandra: Yo creo que ha permanecido este interés por la propiedad cultural, pero en su momento no sabía ponerle nombre. Al principio era algo que se refería más al pasado, a algo anterior, a la multiplicidad, al circuito de imágenes. Tenía la necesidad de averiguar. Poco a poco me he dado cuenta de que la preocupación está orientada a la propiedad cultural. Por eso la fijación por los libros y por conocer las fuentes, el origen de las ideas…sobre el derecho que se tiene a que algo sea tuyo.

Sandra Gamarra. Fragmento de la exposición "En orden de aparición". Galería Juana de Aizpuru, 2010

3. Artesy13: Algo muy ligado a un tema tan candente y actual como el Derecho de Propiedad Intelectual, ¿no?

Sandra: ¡Claro! Yo “copio” imágenes de otros, pero ¿con qué sentido? Crecí en un ambiente de dictadura militar en Perú en el que había todo tipo de cortes de importación. Sabíamos por ejemplo, qué era una Barbie, pero no accedíamos a ella sino por el mercado negro. ¡Ah! ¡Pero estaba la versión pirata! Crecí por ello en una sociedad en la que al final no echabas tanto de menos el original, porque te acostumbrabas a la copia, que se convertía al fin y al  cabo en una nueva versión. Culturalmente estaba aprobado copiar, y no solo reemplazar, sino sustituir por completo. Es como cuando en época de Colón llegaban a Perú grabados de las vírgenes cristianas de España. Se copiaban estas imágenes, dotándolas de nuevos significados. La imagen es de este modo, como un conducto de ideas. Yo, de alguna manera, “participo” en esta labor para “legalizar” lo que hago. Puede haber un misma imagen, pero ideas diferentes.

4. Artesy13:¿Eres entonces una comunicadora cultural?

Sandra: ¡Soy una usurpadora cultural! He tenido discusiones intensas (pero no problema de ningún tipo) con alguna galería o con algún museo, sobre este tema. Pero nada más allá de un intercambio de opiniones (ríe).

5. Artesy13: ¿Tu último trabajo en este 2011 que estamos terminando, se mueve en este campo?

Sandra: La última gran expo individual ha sido en Sao Paulo, de donde acabo de regresar, en la Galería Leme: “Mantos”. Lo que he hecho ha sido una “ficción” sobre la relación entre los mantos que tejía mi abuela, los incas y los precolombinos. Toda esta yuxtaposición podía dar lugar de manera similar, a la abstracción total americana de los años 60-70: Josef Albers, Barnet Newman…La exposición está dispuesta como un discurso en un museo. Al mismo tiempo, las obras dialogan entre sí, sobre la relación del pasado artístico en el presente y viceversa (“How contemporary is my past” y “How past is my contemporary”).

Sandra Gamarra. "Deja Vu V". Exposición "Mantos". Galería Leme, 2011

6. Artesy13: Cuando hablamos de tu obra, ¿nadie puede hacer entonces mejor de comisaria que tú?

Sandra: ¡Claro, jaja! (ríe). He trabajado poco con curadores, pero siempre les digo: “¡Empléenme para reproducir obras que necesiten!”. Y de hecho así lo he hecho en la última Bienal de Sao Paulo (2010). La Bienal no consiguió el préstamo de la serie “October” de G. Richter y me encomendaron   realizar las copias. Pero mi obra no consistía en cuestionar la autoría de las obras de Richter (¡obviamente no voy a firmar como Richter!), sino sobre cómo hacer que dichas obras lleguen a todo el público.

7. Artesy13: En una sociedad eclipsada por las nuevas tecnologías, ¿sigue quedando la pintura como un arte muy “tradicional”? ¿Está de alguna manera “denostada” por la fotografía, el videoarte u otros medios audiovisuales?

Sandra: No lo creo. Hace mucho tiempo, solo había escultura y pintura, y de pronto aparecieron más medios y lenguajes artísticos, pero no está denostada. Tal vez en su momento (en los años 60-70) sí, pero actualmente no. Sí ha conllevado el que haya que “repartir” entre más. Pero la pintura sigue teniendo su entidad. Por algo precisamente, a diferencia de otros medios, como la fotografía o el grabado, no es obra múltiple, sino única. La pintura también se ha colado en otras áreas y viceversa. No me siento atacada (ríe).  Creo que la pintura te exige un tiempo de creación por su propia naturaleza; y de contemplación también: contemplar una pintura exige otro tiempo. La pintura ocupa otro elemento y espacio diferentes. Creo que se ha visto ya con el tiempo que la amenaza que sufría la pintura no tenía sentido. Y aunque de un modo diferente, es lo que ocurre actualmente con el debate entre el libro y el e-book. Cada uno tiene su espacio. La pintura nunca murió. Y eso que hay gente que cree que el arte murió en los años 60; pero peor aún: ¡Hay gente que cree que el arte comenzó en 1960! ¡Incluso algún galerista!

8. Artesy13: ¿Te han comparado en algún momento con algún pintor/a coetáneo/a? ¿En qué casos esto te ha satisfecho o insatisfecho?

Sandra: La verdad es que no. Hay mucha gente que trabaja con el tema de la apropiación, pero no… Hay imágenes que coinciden y pueden ser generador de conflicto…pero ¡de eso se trata! He sido más bien yo la que me he visto en comparación con otros. Al principio de mi trayectoria tal vez; con Amondarain o con Juan Araujo.

Sandra Gamarra. Imagen parcial de la exposición "Mantos". Galería Leme, 2011

9. Artesy13: Siempre entre Perú y España. ¿Circunstancias de la vida, personales…? ¿Tienes en mente seguir en España a pesar de la situación del mercado del arte español actual?

Sandra: Me lo han preguntado con frecuencia. Vine a Madrid hace justo 10 años, por una Beca. A los 6 meses estuve a punto de irme, pero me quedé…¡hasta hoy! El solo hecho de pensar en mudarme me da pánico. Solo el mover los libros… En realidad, no siento que me he quedado en Madrid, ya que siempre me he movido bastante; sobre todo entre Perú y España. Si me mudara, solo lo haría a Lima. Estoy bien aquí.

10. Artesy13: ¿Cuáles son tus proyectos más deseados a nivel internacional? ¿Te interesaría alguna colaboración con algún artista?

Sandra: No lo sé. En eso es cierto que la pintura es más egoísta o individualista. A mí me cuesta hacer relación con la gente. ¡Será por eso que me quedé sentada pintando! Pero sí me gustaría tener en Lima una especie de… no sé aún cómo llamarlo…tal vez “centro cultural” (es una idea que tengo hace tiempo), un espacio que los artistas pudieran emplear durante unos días (de manera rotatoria) para alojar su obra, registrarla (fotografiarla) y después realizar un “opening” para su exposición durante al menos un día.

11. Artesy13: De entre todos los museos y proyectos expositivos en los que has participado (MUSAC, Centro Cultural Conde Duque, Tate, MoMA….) de cuál/es conservas mejor recuerdo y por qué?

Sandra: Tampoco he expuesto tanto institucionalmente; pero tal vez, entre las exposiciones internacionales, la última Bienal de Sao Paulo ha sido una de las más gratificantes. Copiar a Richter era como un deseo. Pero en estos ámbitos tan grandes no suelo sentirme muy cómoda.

12. Artesy13: ¿Algún proyecto expositivo novedoso para el próximo año del que puedas adelantarnos algo?

Sandra: Expondré individualmente en Lima, con la idea de volver a la Historia del Arte. Tengo también una participación en Guimaraes (Portugal), elegida Ciudad Europea de la Cultura 2012. Me apropiaré de obras de artistas que están en la ciudad, y después, en un restaurante, expondré mis obras. Me interesa especialmente conocer las reacciones de la gente ante estas obras.

13. Artesy13: ¿Qué te parece por ello que artistas jóvenes que no han tenido aún oportunidad de exponer en galerías, lo hagan en estos espacios de ocio? ¿Te parece bien que en Madrid esté creciendo esta alternativa?

Sandra: Me parece fenomenal. En Santiago de Chile lo he visto de hecho en una librería. Yo creo que lo importante es que se habilite un espacio aparte (aunque sea pequeño) para la contemplación o la reflexión. Es como un circuito de “pequeñas galerías” dentro de un entorno de ocio. Lo he visto por ejemplo en el espacio de Guillermo Espinosa de la Calle San Mateo, “Black Pillar”.

14. Artesy13: ¿Cómo quieres que recuerde en un futuro el público tu obra?

Sandra: ¡Que no la recuerde! (ríe). Creo más en las sensaciones. Yo no creo imágenes nuevas, por lo que ¡cómo pueden recordarme! Podrán hacerlo más por el uso; por el hecho de un repertorio de acciones…que fueron siempre posibles.

Sandra Gamarra. Vista parcial de la instalación "Gabinete". Galería Juana de Aizpuru, 2006

El Hermitage en el Prado: fin de la fiesta ruso-española.

Primero fue ARCO 2011 con Rusia como país invitado; después, “Vanguardias rusas en las colecciones Thyssen-Bornemisza” y tras unos meses, “El romanticismo ruso en época de Pushkin”, en el Romántico. El Museo del Prado inaugura su última inflación (en taquilla; esperemos que la última por un buen tiempo) con la exposición “El Hermitage en el Prado”, imprescindible, y con la que se clausura un 2011 de intercambio cultural ruso-español caracterizado por una programación completísima, aunque con escasa repercusión mediática.

La colección recoge algunas obras maestras (o como se diría hoy, los “must”) del colosal museo, uno de los diez mejores del mundo, en este caso en las salas de otro de la misma lista. La difícil y acertada elección de obras por los comisarios (con algunas comprendidísimas ausencias, como “La danza” de Matisse, uno de los colosos del Hermitage), ha dado como resultado una de las más brillantes exposiciones del año.

A.V. Tiranov, "Biblioteca del Hermitage" (1826)

De manera didáctica, la muestra nos introduce en el nacimiento de este museo a finales del siglo XVIII y comienzos del XIX, a través de los retratos de sus zares fundadores (Pedro I, Catalina II y Nicolás I). A continuación se pasa a contextualizar el ambiente del San Petersburgo decimonónico, a través de pinturas coetáneas sobre la metrópolis y sobre el propio museo, casi todas ellas arquitecturas pintadas (Paterson, Tiranov, Tutukin...), que perfectamente podrían integrarse en la exposición que sobre la arquitectura en el lienzo podemos visitar paralelamente en el Museo Thyssen-Bornemisza.

La Edad Antigua está representada por oro y otros metales preciosos del continente eurasiático, con una importante presencia griega: peines, broches, diademas…Todo tipo de complementos, en su mayoría femeninos, que nos muestran cómo la exquisita relación entre el arte y la moda se remonta a épocas tan lejanas en la Antigüedad.

Ramo de acianos con espigas de avena en un jarrón (h.1900)

Precisamente las artes decorativas alcanzan en esta exposición un protagonismo que poco tiene que envidiar a la pintura: arquetas, tabaqueras, relojes, todo tipo de joyas, o incluso un sable iraní del siglo XIX, una de las obras estrella de la muestra.

Tanto la pintura como la escultura desde el siglo XVI hasta el pasado siglo XX, corresponde en este caso, como es de esperar, a los nombres más célebres de la Historia del Arte occidental: Durero, Tiziano, Veronés, El Greco, Caravaggio, Velázquez, Rubens, Van Dyck, Rembrandt, Poussin, Chardin, Canova, Thorvaldsen... Como se deduce, la lista es bien larga.

Caravaggio, "Tañedor de laúd" (1595-96)

Entre algunas de estas grandes obras traídas desde San Petersburgo para la ocasión, destacan el "Almuerzo" de Velázquez (1617), "Haman reconoce su suerte" de Rembrandt (1660-65) o el "Tañedor de laúd" de Caravaggio (1595-96).

P. Cézanne, "Paisaje azul" (1904-06)

En la planta superior se rinde homenaje a las grandes firmas del arte contemporáneo, desde el romanticismo de Ingres o Friedrich hasta las primeras vanguardias del siglo XX. Imprescindibles una vez más, ya que no todos los días pueden verse obras como “El mes de María” de Gauguin (1899), “Paisaje azul” de Cézanne (1904-1906), “La bebedora de absenta” de Picasso (1901), “Composición VI” de Kandinsky (1913), o “Mujer con sombrero negro” de Kees van Dongen (1908), extraordinaria obra esta última, de un artista insuficientemente valorado en España.

K. van Dongen, "Mujer con sombrero negro" (1908)

Se trata por ello de una verdadera ocasión (hasta el 25 de marzo) para realizar un buen recorrido por una parte de la Historia del Arte, a través de una selección de obras de una de las mejores colecciones del mundo. ¿Batirá nuevamente el Prado récord de visitas, o de recaudación? Sea como sea, si podéis, no os la perdáis.

Más información en:

www.museodelprado.es

www.spain-russia2011.ru/